Dans le domaine complexe de la lutherie de la guitare électrique, chaque aspect compte pour façonner le son et la jouabilité d'un instrument. Parmi les nombreux facteurs à considérer, la tension des cordes joue un rôle essentiel dans la performance globale de la guitare. Dans cet article, nous explorerons en profondeur la tension des cordes et son impact sur la sonorité, le confort de jeu, les réglages et les risques de frise.

Préalable : nuances et distinctions entre "tension" et "tirant" des cordes
Bien que la tension et le tirant des cordes soient étroitement liés, ils représentent des aspects différents de la configuration des cordes sur un instrument et ont chacun leur propre influence sur la jouabilité et le son.

Tension des cordes : La tension des cordes fait référence à la force exercée par les cordes lorsqu'elles sont accordées à une hauteur spécifique. Elle est généralement mesurée en livres par pouce (lbs/in) ou en kilogrammes par centimètre (kg/cm). La tension est déterminée par plusieurs facteurs, notamment le calibre, l'accordage et la longueur vibrante des cordes.

Tirant des cordes : Le tirant des cordes se réfère à l'épaisseur des cordes, généralement mesurée en pouces. Un tirant plus élevé indique des cordes plus épaisses, tandis qu'un tirant plus faible indique des cordes plus minces. 

Relation entre tension et tirant : Le tirant des cordes influe directement sur la tension des cordes. Des cordes plus épaisses auront une tension plus élevée pour atteindre la même note qu'une corde plus fine. C'est la loi de masse : La tension d'une corde est directement proportionnelle à sa masse linéaire.
Selon la loi de masse, plus une corde est lourde, plus elle nécessite de tension pour produire une vibration à une fréquence spécifique. Les cordes plus épaisses ont une masse linéaire plus élevée en raison de leur diamètre plus grand, ce qui signifie qu'elles nécessitent plus de tension pour atteindre la même note qu'une corde plus fine.

Impact sur la jouabilité et le son : Le tirant des cordes influence également la jouabilité et le son de l'instrument. Des cordes plus épaisses peuvent offrir une meilleure réponse et une plus grande résistance à la flexion, ce qui peut être préférable pour certains styles de jeu. Cependant, elles peuvent également être plus difficiles à jouer, surtout pour les débutants ou ceux qui préfèrent un toucher léger, et elles demanderont une action des cordes plus élevée. Des cordes plus fines, quant à elles, peuvent offrir une sensation de jeu plus souple et une facilité de jeu accrue, mais peuvent manquer de punch, de projection sonore et de richesse harmonique par rapport à des cordes plus épaisses.

​Effets de la Tension sur le Son et la Vibration
La tension des cordes a un impact direct sur la vibration des cordes et donc sur le son produit par la guitare électrique. Des cordes tendues produiront une vibration plus rapide et plus énergique, ce qui se traduira par un son plus clair, plus fort et dynamique, doté d'une meilleure projection. En revanche, des cordes moins tendues vibreront plus lentement, produisant un son plus doux et plus chaleureux. Les guitaristes doivent trouver un équilibre entre tension et vibration pour obtenir le son désiré.

Effets de la Tension sur la Jouabilité
Tension excessive :
Une tension excessive des cordes peut rendre difficile la pression des cordes sur le manche de l'instrument. Cela peut entraîner une fatigue plus rapide des doigts et des mains, et rendre le jeu difficile, surtout pour les débutants ou pour ceux qui ont des problèmes de force dans les doigts. Peuvent s'ensuivre de l'inconfort et même de la douleur aux doigts, aux mains et aux poignets. Cela peut rendre la pratique prolongée inconfortable et décourager les musiciens de jouer régulièrement.
Des cordes sous une tension excessive sont également plus susceptibles de se casser, en particulier si elles sont trop tendues ou si elles sont mal entretenues. 
Enfin, une tension vraiment trop excessive des cordes peut affecter le son et la dynamique de l'instrument. Les notes peuvent sembler trop tendues ou étouffées, et la plage dynamique de l'instrument peut être réduite, ce qui limite les possibilités expressives du musicien.

Tension insuffisante :
Les cordes sous tension insuffisante ont tendance à se détendre plus facilement, ce qui peut rendre difficile le maintien de l'accordage de l'instrument et des cordes qui se désaccordent fréquemment peuvent rendre le jeu imprécis et frustrant.
Une tension trop faible des cordes peut aussi altérer la réponse et la dynamique de l'instrument. Les notes peuvent sembler étouffées ou manquer de clarté, et la plage dynamique de l'instrument peut être réduite.
Une tension insuffisante des cordes peut également affecter l'intonation de l'instrument, c'est-à-dire la justesse des notes sur le manche. Des cordes trop peu tendues peuvent produire des notes qui sonnent fausses ou qui sont incohérentes d'une frette à l'autre.

Action des cordes :
Par ailleurs, la tension des cordes est essentielle pour déterminer la hauteur d'oscillation des cordes et donc l'action de l'instrument. Lorsque les cordes sont tendues, elles vibrent à une fréquence spécifique, produisant une hauteur d'oscillation qui détermine la note jouée. Cette hauteur d'oscillation influence directement l'action des cordes.​
Une tension plus élevée des cordes tend à augmenter la hauteur d'oscillation, ce qui demande une action plus élevée pour éviter les risques de frise. À l'inverse, une tension plus faible permet une hauteur d'oscillation plus basse, ce qui peut permettre une action plus basse et donc une meilleure jouabilité.​

Toute la difficulté consistera donc à choisir une tension de cordes offrant un bon équilibre entre jouabilité et richesse et projection du son.

Effet du diapason sur la tension des cordes
Le diapason d'une guitare, qui correspond à la longueur vibrante des cordes entre le sillet et le chevalet, a un effet direct sur la tension des cordes. Voici comment le diapason influence la tension des cordes :

Plus le diapason de la guitare est long, c'est-à-dire plus la distance entre le sillet et le chevalet est grande, plus la tension nécessaire pour accorder les cordes à une note spécifique est élevée. Comme nous l'avons vu plus haut, cela est dû au fait que la longueur vibrante des cordes est plus grande, ce qui nécessite une tension supplémentaire pour obtenir la même note.

Les fabricants de cordes conçoivent généralement différentes échelles de tension pour s'adapter aux différentes longueurs vibrantes des guitares. Par exemple, une guitare avec un diapason plus long nécessitera des cordes conçues pour supporter une tension plus élevée pour maintenir l'accordage correctement. C'est ce qui explique notamment les différences de tirants entre guitares et basses.

Le diapason peut également avoir un impact sur le son global de la guitare. Les guitares à diapason plus long ont souvent un son plus riche et plus plein, en partie en raison de la tension supplémentaire des cordes qui contribue à une meilleure résonance et à une réponse sonore plus dynamique.

Remarque sur la longueur des cordes entre le chevalet et le cordier, et au niveau de la tête
Cette longueur supplémentaire, bien que ne faisant pas partie de la longueur de résonnance du diapason de l'instrument, va contribuer à la longueur totale de la corde et agir de la même manière sur la tension des cordes. Ainsi, lors de la conception d'un instrument, il est intéressant de réfléchir à ces longueurs hors diapason pour agir sur la souplesse et/ou la projection de chaque corde. C'est une des raisons qui fait que je suis personnellement un grand amateur des têtes aux mécaniques en ligne, mais inversées. Ainsi, la corde grave dispose d'une grande plus longueur et donc d'une plus grande tension, ajoutant de la clarté et de la projection dans les basses, tandis que les cordes aigües sont plus souples à jouer et de sonorités plus douces et rondes. Ce phénomène et ses implications sont également la raison d'être des diapasons multiples sur certaines guitares (multiscale, en anglais).

Quant aux matériaux des cordes
Enfin, pour être complet sur le sujet, sachez que les différents matériaux pouvant être employés dans la confection des cordes ont également un impact sur la tension de celles-ci. Ainsi, des alliages à plus ou moins haute concentration, par exemple, de nickel ou de carbone, donneront des tensions différents pour les mêmes tirants et accordages. On peut donc, là encore, expérimenter une variable d'ajustement pour déterminer le son et la jouabilité.

​Conclusion
La tension des cordes des guitares électriques joue un rôle crucial dans la sonorité, la jouabilité et l'intonation de l'instrument. En comprenant les nuances entre la tension et le tirant des cordes, ainsi que leur impact sur le son, la vibration, la jouabilité et l'intonation, les guitaristes peuvent prendre des décisions éclairées pour optimiser le potentiel de leur guitare électrique.

Que ce soit en recherchant un son clair et dynamique, une jouabilité confortable ou une intonation précise, ajuster la tension des cordes en fonction de ses préférences et de son style de jeu peut faire toute la différence. N'oublions pas que chaque guitare est unique, et trouver le bon équilibre de tension des cordes est souvent une question de compromis personnel.

En explorant les différents aspects de la tension des cordes et en expérimentant avec différentes configurations, les guitaristes peuvent découvrir de nouvelles dimensions dans leur jeu et tirer le meilleur parti de leur instrument. En fin de compte, la tension des cordes est bien plus qu'un simple réglage technique ; c'est une composante essentielle de l'expression musicale et de la connexion entre le musicien et son instrument.

N'hésitez pas à solliciter votre luthier préféré sur ces questions, il pourra vous donnez de précieux conseils et répondre à vos besoins sur le sujet. Ainsi, à l'Atelier Kraken, j'ai l'habitude d'installer des accordages très différents, allant aux extrêmes les plus graves et les plus aigües, ou encore des compositions mixtes inhabituelles. Pour chacun d'entre eux, je calcule le tirant le mieux adapté en fonction du diapason et de la jouabilité/projection que recherche le musicien. J'établis, si besoin, des jeux de cordes custom en sélectionnant le tirant le mieux adapté pour chaque corde.

LEXIQUE
Tension des cordes : La force exercée par les cordes lorsqu'elles sont accordées à une hauteur spécifique, mesurée en livres par pouce (lbs/in) ou en kilogrammes par centimètre (kg/cm).
Tirant des cordes : L'épaisseur des cordes, mesurée en pouces. Un tirant plus élevé indique des cordes plus épaisses, tandis qu'un tirant plus faible indique des cordes plus minces.
Longueur vibrante : La portion de corde qui vibre entre le sillet et le chevalet de l'instrument, influencée par la tension des cordes et le diapason de la guitare.
Intonation : La justesse des notes jouées sur le manche de la guitare, affectée par la tension des cordes et la longueur vibrante.
Action des cordes : La hauteur à laquelle les cordes sont réglées par rapport aux frettes, influencée par la tension des cordes et la nécessité d'éviter les risques de frise.
Diapason : La longueur vibrante des cordes entre le sillet et le chevalet de la guitare, affectant la tension des cordes et le son global de l'instrument.
Pontet du chevalet : La partie de la guitare sur laquelle reposent les cordes au niveau du chevalet, ajustée par les luthiers pour compenser les variations d'intonation dues à la tension des cordes.
Justesse : Le degré auquel une note est correctement accordée par rapport à une référence tonale, influencé par la tension des cordes et l'intonation de l'instrument.

Philippe BREGAND, fort d'un parcours musical éclectique et d'une passion pour la transmission des connaissances, exerce le métier polyvalent de musicien, conseiller et formateur en musiques actuelles.
Son rôle consiste à accompagner les artistes et groupes de musique dans le développement de leur projet artistique et de leur carrière. En tant que musicien, il apporte son expertise dans différents domaines tels que la composition, l'interprétation, et la production musicale. Il aide également les artistes à définir leur identité artistique, à améliorer leur performance scénique et à trouver des stratégies pour promouvoir leur musique. Enfin, en tant que formateur, il dispense des cours et des ateliers sur des sujets variés liés aux musiques actuelles, permettant aux musiciens de développer leurs compétences et leur savoir-faire.
​En résumé, Il joue un rôle essentiel dans le soutien et l'accompagnement des artistes émergents et confirmés dans le monde de la musique contemporaine.​
J'ai l'honneur de lui avoir fabriqué deux guitares à ce jour et j'ai toujours adoré nos échanges sur la musique et le matériel qui y est dédié, mais surtout sur sa vision et compréhension du métier de musicien.
A travers cet interview, j'espère vous partager un peu de sa passion et de ses multiples talents.

​Peux-tu nous parler de ton parcours musical ?
Mon parcours est assez typique. J'ai commencé la guitare à 9 ans, mais j'ai vite abandonné à cause d'une prof de musique classique trop rigide. Plus tard, vers 17 ans, j'ai repris avec des amis au lycée. J'ai même restauré une vieille guitare avec mon père. J'ai ensuite pris des cours pendant 2 ans et demi avec Jean Michel Trimaille, un musicien et pédagogue formidable. J'ai également suivi des stages de jazz, approfondissant ma passion pour l'harmonie et les systèmes musicaux.

À quel moment as-tu décidé d'en faire ton métier ?
Vers 22-23 ans, après mes cours. Les rencontres et l'envie profonde de faire de la musique ont fait pencher la balance. J'ai été inspiré par mes professeurs, qui m'ont poussé à poursuivre cette voie.

Comment es-tu devenu formateur en musiques actuelles ?
C'était un cheminement naturel, j'ai trouvé ma passion dans la transmission de connaissances, notamment en pédagogie et en accompagnement artistique. Je suis resté fidèle à cette passion, élargissant mes horizons.

Quelles sont tes principales influences musicales ?
Mes premières influences étaient le jazz et le blues, mais ce sont les expériences avec différents genres qui ont façonné ma carrière. Actuellement, je travaille sur un projet qui explore ces diverses influences.

Comment définis-tu les musiques actuelles ?
La musique évolue avec la technologie, mais les fondements restent les mêmes. Ce qui est vraiment novateur, c'est l'exploration de nouveaux timbres et de nouvelles figures rythmiques.

Quel est ton rôle en tant que musicien-conseil-formateur ?
J'accompagne les groupes dans l'élaboration de leurs projets artistiques, en les aidant à prendre des décisions conscientes. Je travaille sur tous les aspects, de la performance scénique au choix du matériel, en veillant à ce que chaque décision serve le projet collectif.

Peux-tu donner des exemples concrets de ton travail ?
Je travaille avec une variété de groupes, du jazz au rock en passant par la musique traditionnelle. Mon objectif est d'aider chaque groupe à réaliser son potentiel artistique, en leur apportant un regard extérieur et des conseils précis.

Donc tu agis comme un guide, mais les choix restent entre les mains des musiciens ?
Exactement. Mon rôle est de stimuler la réflexion et d'encourager les décisions collectives, afin que chaque musicien contribue pleinement au projet. C'est ça le cœur du problème. Souvent, les décisions ne sont pas prises collectivement, et chacun a sa vision du morceau sans concertation préalable. Cela peut entraîner des tensions et un résultat artistique décevant.

Ouais, je vois ce que tu veux dire. Dans ces cas-là, tu dois presque jouer le rôle d'un coach en team building, en encourageant l'écoute et la prise de parole collective, non ?
Tout à fait. Je préfère éviter la posture du gourou, mais créer un espace où chacun peut s'exprimer librement permet souvent de débloquer des situations.

C'est intéressant. On dirait que la musique est bien plus que des notes jouées, elle implique toute une dynamique sociale et créative.
Exactement. Mon rôle est de faciliter cette dynamique et de guider le groupe vers un projet artistique commun.

Et quelles sont les différentes facettes de ce métier de musicien-conseil-formateur ?
En tant que musicien, je suis là pour servir le projet tout en restant transparent. Je veille à ce que chaque décision serve l'objectif artistique global, que ce soit dans le studio d'enregistrement, la salle de répétition ou sur scène.

Tu aides aussi à la création musicale, non ?
Oui, mais je ne prends pas de décisions à leur place. Mon rôle est de stimuler la créativité en proposant des idées et en encourageant l'exploration.

C'est un travail d'équilibriste entre soutien et intervention, j'imagine.
Exactement. Je cherche à libérer le potentiel créatif du groupe tout en maintenant le cap sur leur vision artistique.

Et quels sont les défis et les satisfactions de ce métier ?
Le défi réside dans la diversité des projets et des personnalités. Chaque collaboration est unique, ce qui rend le travail passionnant. Les retours positifs des musiciens sont gratifiants, mais je ne cherche pas à m'approprier leur succès. Mon objectif est de les aider à réaliser leur vision, pas la mienne.

Tu dois être satisfait de sentir que tu as pu influencer et éclairer certaines personnes sur des questions qu'elles n'avaient peut-être pas envisagées auparavant.
Oui, en effet. C'est important de savoir s'entourer et de faire les bonnes rencontres. J'ai compris tardivement que l'union fait la force et que chacun apporte sa contribution à un projet collectif.

C'est vrai. Il y a tellement de groupes qui n'ont pas réussi faute d'un accompagnement adéquat. Ton expertise et ton soutien auraient pu faire la différence pour certains.
Aujourd'hui, il existe des formations qui abordent ces aspects, notamment dans le domaine de l'accompagnement artistique. Je suis également impliqué dans la formation de formateurs dans ce domaine.

C'est intéressant. La pédagogie doit jouer un rôle crucial dans ces formations.
Tout à fait. Mon objectif est de transmettre mes connaissances et mon expérience pour aider les autres à développer leurs compétences dans ce domaine.

Je reviens sur ton parcours en tant que musicien, notamment en tant que guitariste. Comment définirais-tu ton style de jeu personnel ?
Mon style est un mélange d'improvisation et de contrôle, avec une approche instinctive mais aussi basée sur des bases théoriques solides.

C'est ce qui m'a toujours impressionné chez toi. Tu combines à la fois une approche intellectuelle et une connexion instinctive avec la musique.
Oui, je cherche toujours à trouver un équilibre entre ma compréhension théorique de la musique et mon intuition artistique.

Y a-t-il des guitaristes qui t'ont influencé ?
Jeff Beck est un exemple pour moi en termes de sonorité et d'improvisation en temps réel. J'ai également exploré des techniques plus complexes, mais mon approche reste avant tout basée sur le ressenti et la texture sonore.

C'est fascinant de voir comment différents guitaristes peuvent influencer notre approche musicale.
Absolument. Chacun d'eux apporte sa propre contribution à notre développement en tant que musiciens.

C'est intéressant de voir comment tu abordes la question du matériel et des techniques guitaristiques. Est-ce que tu as des techniques que tu utilises régulièrement ?
Pas spécifiquement, j'essaie simplement de mélanger les textures de jeu en utilisant à la fois un mediator et mes doigts avec la main droite.

Et en ce qui concerne ton matériel, est-ce qu'il y a des équipements que tu privilégies ?
J'aime jouer avec deux amplis différents pour obtenir des textures sonores variées. J'ai une préférence pour les amplis Orange et j'apprécie également les guitares de l'Atelier Kraken et les modèles James Trussard. En termes de pédales, j'aime beaucoup la marque Vemuram, bien que leurs produits soient assez onéreux.

C'est fascinant de voir comment tu combines différents équipements pour créer ton son unique.
Oui, c'est un processus qui évolue constamment en fonction de mes expérimentations et de mes découvertes.

Parlons maintenant de conseils pour les guitaristes qui veulent progresser. Qu'as-tu à leur dire ?
Je recommande de travailler lentement et méthodiquement sur les techniques qui correspondent à leurs préférences musicales. Il est essentiel de prendre le temps d'assimiler les mouvements et les sensations liés à la production du son. Travailler dans un contexte musical, que ce soit avec un métronome ou une boîte à rythme, est également crucial pour comprendre l'interaction entre la technique et la musicalité.

Un conseil précieux pour les guitaristes en herbe. Revenons un peu sur ton activité de formation. Peux-tu nous en dire plus sur les services que tu proposes ?
Bien sûr. En tant que formateur, je travaille sur différents aspects de l'accompagnement artistique. Cela peut inclure l'accompagnement lors des répétitions, la gestion du son en studio ou sur scène, ainsi que le coaching scénique pour aider les musiciens à mieux communiquer leur message sur scène.

C'est intéressant de voir comment tu abordes ces différents aspects de la formation. Ton approche semble centrée sur le développement artistique et la communication musicale.
Absolument. Je crois fermement en l'importance de développer non seulement les compétences techniques, mais aussi la capacité à transmettre une émotion et un message à travers la musique.

Intéressant. Y a-t-il d'autres services que tu proposes ?
Absolument. Je travaille également sur la préparation à l'enregistrement en aidant les groupes à choisir les morceaux à enregistrer, à planifier les sessions d'enregistrement, et à comprendre les différentes méthodes et conditions nécessaires.

Et est-ce que tu as des retours ou des témoignages de tes anciens élèves ?
Oui, j'ai reçu beaucoup de retours positifs, mais je préfère que les gens se parlent directement. J'estime que c'est plus authentique que de simplement lire des témoignages en ligne.

Compris. Et pour ceux qui seraient intéressés par tes services, comment peuvent-ils te contacter ?
Ils peuvent simplement m'envoyer un e-mail à [email protected] pour prendre rendez-vous ou en savoir plus sur ce que je propose.

Parfait, merci pour ces informations. Et en ce qui concerne les tarifs ?
Les tarifs varient en fonction des besoins et des situations, mais pour une séance d'accompagnement à la répétition d'environ 2 heures et demie, c'est autour de 100€, hors frais de déplacement.

Tu as un numéro de téléphone aussi ?
Oui, c'est le 0752023045.

Parfait. Quels sont tes projets en cours ?
En ce moment, je travaille sur un projet musical avec Monsieur Torrence, un groupe dont Julien Jacquot est à l'origine. On est même passés sur France 3 récemment. Julien écrit les textes et les musiques, et je suis guitariste dans le groupe. C'est intéressant car je dois me mettre au service du projet et de son univers. J'ai également mon propre projet musical en cours d'écriture. J'aimerais aussi développer davantage l'enregistrement, car c'est quelque chose que j'apprécie beaucoup.

Et quels conseils donnerais-tu aux groupes qui veulent progresser ?
Je leur conseillerais de parler entre eux, de s'organiser lors des répétitions pour éviter de rester en pilotage automatique, et de se questionner mutuellement sur leur musique et leurs objectifs. L'auto-évaluation et la communication interne sont essentielles pour progresser.

Ça rejoint l'idée de prendre des conseils, du recul et de communiquer, c'est ça ?
Oui, exactement. C'est important de se poser des questions et d'échanger pour avancer.

Et pour toi, quel est le conseil le plus important que tu aies jamais reçu ?
Le conseil de Jean Michel Trimaille :  de faire les choses en conscience.

Intéressant. Et si tu pouvais jouer avec n'importe quel musicien, vivant ou mort, qui choisirais-tu ?
Jeff Beck, sans hésiter. Et peut-être Miles Davis aussi.

Et quel est ton morceau de guitare préféré ?
Il y en a tellement, c'est impossible de choisir.

D'accord. Et comment vois-tu l'avenir de la musique ?
Je trouve que ces dernières années, la musique semble moins innovante et plus uniforme. J'espère qu'à l'avenir, il y aura une rupture créative qui permettra l'émergence de nouvelles pépites musicales.

C'est un point intéressant. Merci beaucoup pour cette discussion enrichissante.

​Lorsqu'il s'agit de choisir ou faire fabriquer une guitare électrique, la méthode de fixation du manche peut être une caractéristique déterminante. Dans cet article, nous explorerons les méthodes de fixation du manche les plus courantes, leur influence sur le son et les avantages et inconvénients de chacune.

1. Manche Vissé
Historiquement, les manches vissés sur les guitares électriques ont été popularisés par la société Fender dans les années 1950 avec l'introduction de la Telecaster et de la Stratocaster. Leo Fender, le fondateur de Fender Musical Instruments Corporation, a adopté cette méthode de fixation du manche pour des raisons de fabrication et de réparabilité.
En effet, la conception du manche vissé offrait plusieurs avantages pratiques. Elle facilitait la production en série des guitares, permettant une construction plus rapide et moins coûteuse. Le manche peut être attaché au corps de la guitare à l'aide de vis, ce qui nécessite moins de temps et d'efforts que d'autres méthodes de fixation, telles que le collage. L'assemblage d'une guitare avec un manche vissé nécessite également moins de compétences spécialisées par rapport à d'autres processus de construction. Cela signifie que les fabricants peuvent utiliser une main-d'œuvre moins qualifiée pour effectuer cette tâche, ce qui en réduit les coûts.
Cette jonction simplifiait également la réparation des instruments, car en cas de problème avec le manche, il pouvait être facilement retiré et remplacé sans avoir à démonter entièrement la guitare. Cela à également contribué à l'expansion du phénomène de la Partcaster (et par là-même à encourager beaucoup de vocations de guitar-techs et luthiers, dont votre serviteur😉).
Pour ces raisons, la méthode de fixation du manche vissé est d'ailleurs devenue l'une des plus courantes de nos jours.

En termes de sonorité, les manches vissés ont contribué à définir le son distinctif des guitares Fender. Ils ont tendance à produire un son brillant et clair, avec une bonne articulation des notes, souvent associés à un sustain et une chaleur légèrement en retrait par rapport aux manches collés ou traversants. Cela est dû à la construction même du manche vissé. Les vis et la discontinuité des matériaux peuvent créer de petites ruptures dans la transmission des vibrations entre le manche et le corps de la guitare, ce qui peut entraîner une perte d'énergie, de sustain et de chaleur*.

2. Manche Collé
L'utilisation de manches collés sur les guitares remonte à la fin du 19ème siècle, bien que cette technique soit devenue plus répandue dans les années 1950 et 1960. Les manches collés étaient couramment utilisés sur les guitares acoustiques avant d'être adoptés pour les guitares électriques.
L'une des premières entreprises à populariser l'utilisation de manches collés sur les guitares électriques était Gibson, avec des modèles emblématiques tels que la Gibson Les Paul introduite en 1952. Cette conception implique que le manche est solidement collé à la caisse de la guitare plutôt que d'être fixé avec des vis. Cela crée une jointure sans lacunes, une connexion plus directe et continue entre le manche et le corps de la guitare, ce qui offre une meilleure transmission des vibrations et une résonance plus uniforme se traduisant généralement par un sustain plus long et une sonorité plus chaude.

Avantages :
Sustain prolongé.
Sonorité chaude et riche.
Pas de vis visibles sur la face arrière de la guitare.

Inconvénients :
Production plus complexe et coûteuse.
Réparation plus difficile du manche en cas de besoin.

3. Manche Traversant
La méthode de fixation du manche traversant, également connue sous le nom de construction "neck-through", est une technique où le manche s'étend à travers le corps de la guitare, demeurant une pièce continue.
L'utilisation de manches traversants sur les guitares électriques remonte à quelques exemples de marques comme Rickenbacker ("Frying Pan" - 1931), Gibson (ES-150 - 1936), Guild (Guild Thunderbird - 1963). 
Cette méthode de construction offre une continuité totale de la structure, des mécaniques au cordier, ce qui permet une résonance maximale et un sustain exceptionnel. Elle demande en revanche plus de longueur/épaisseur de bois, des connaissances supplémentaires, de plus nombreuses manipulations et vérifications, ainsi qu'un souci du détail exacerbé. C'est pourquoi son coût de revient est bien supérieur et son utilisation moins répandue.

Avantages :
Sustain prolongé.
Excellente transmission des vibrations.
Accès facile aux frettes supérieures grâce à l'absence de talon de manche.

Inconvénients : 
Fabrication plus complexe et couteuse et nécessitant des compétences solides.

4. Mon sentiment
A l'Atelier Kraken, sauf demande contraire du client, je fabrique exclusivement des guitares et basses à manche traversant.
A mon sens, le sustain, la richesse du son, mais aussi la transmission des vibrations jusque dans le corps du musicien lui-même, ainsi que la réactivité parfaite au jeu que cette méthode procure font partie intégrante de l' "effet wahou" que je recherche dans mes instruments. On ressent réellement comme un supplément de caractère et d'âme dans la guitare/basse.
En revanche, bien que je sois amoureux des beaux bois, j'aspire à une certaine sobriété et je ne suis pas très amateur des constructions traversantes apparentes. Aussi je préfère me compliquer la vie en réalisant des manches traversants mais qui restent cachés à l'intérieur du corps de l'instrument (on parle parfois de "manche inséré"). Cela nécessite des assemblages encore plus complexe que le manche traversant traditionnel, mais donne au contraire une apparence de simplicité et pureté dont je tire une grande satisfaction.

Lexique
Partcaster : Le terme "Partcaster" est une contraction de "parts" (pièces) et "caster" (un diminutif de Fender Telecaster ou Stratocaster), et il est utilisé pour désigner une guitare électrique qui est assemblée à partir de différentes pièces provenant de différents fabricants ou modèles. Contrairement à une guitare fabriquée entièrement par un seul fabricant, une Partcaster est une guitare personnalisée qui peut combiner des éléments de différentes marques, styles et modèles pour créer un instrument unique. Les guitaristes qui construisent des Partcasters peuvent choisir des corps, des manches, des micros et d'autres composants de différentes marques ou spécifications pour obtenir le son et les caractéristiques qu'ils désirent. C'est une pratique populaire parmi les guitaristes qui souhaitent créer une guitare sur mesure ou expérimenter avec différents composants pour obtenir un son spécifique.
Guitar-techs : abréviation de "guitar technician" en anglais, est une personne qualifiée et expérimentée qui se spécialise dans la maintenance, la réparation et la modification des guitares électriques et acoustiques. Les guitar-techs sont souvent employés par des musiciens, des groupes de musique, des studios d'enregistrement ou des magasins de musique pour s'occuper de l'entretien régulier des instruments, effectuer des réglages, des réparations ou des modifications pour améliorer les performances ou répondre aux besoins spécifiques des guitaristes.
Sustain : Durée pendant laquelle une note de guitare continue de résonner après avoir été jouée.
Neck-through : Littéralement "manche en travers" en anglais, donc manche traversant.
​Effet wahou : Réaction ou une impression forte et positive, souvent d'admiration ou de surprise. Dans le contexte de la fabrication d'instruments de musique, l'"effet wahou" désigne le sentiment de satisfaction, d'émerveillement ou d'étonnement que ressentent les musiciens lorsqu'ils découvrent ou utilisent un instrument qui dépasse leurs attentes en termes de qualité, de sonorité, de jouabilité ou d'esthétique. C'est l'effet "waouh" que l'instrument produit sur eux, les impressionnant par ses caractéristiques exceptionnelles ou ses performances remarquables. ​😁

Les premières guitares électrifiées ont une histoire fascinante qui remonte aux années 1920 et 1930, avec des pionniers tels que Lloyd Loar de Gibson et Adolph Rickenbacker. A cette époque, notamment au sein des big bands et des ensembles de jazz où les environnements musicaux étaient souvent bruyants, les guitares acoustiques traditionnelles peinaient à se faire entendre. L'électrification a permis aux guitaristes de produire un son amplifié qui pouvait rivaliser avec d'autres instruments, comme les trompettes ou les saxophones. Cela a également facilité l'enregistrement en studio et la diffusion à la radio, en permettant aux ingénieurs du son d'obtenir des enregistrements plus clairs et plus précis, sans les problèmes de résonance et de volume associés aux guitares acoustiques non amplifiées. Enfin, cette électrification a ouvert de nouvelles possibilités sonores pour les guitaristes en leur permettant d'explorer des effets et des timbres qui étaient difficiles, voire impossibles, à obtenir avec des guitares acoustiques non amplifiées. Cela a contribué à l'émergence de nouveaux genres musicaux et de nouveaux styles de jeu.

Les premiers modèles de ces guitares, plus électrifiées qu'électriques, étaient souvent des guitares acoustiques converties, avec des micros ajoutés à leur surface, plutôt que des conceptions spécifiquement créées pour être électriques.
Cependant, ces instruments présentaient également des inconvénients, notamment une sensibilité accrue aux rétroactions indésirables à des volumes élevés. De plus, elles étaient souvent sujettes aux problèmes de larsen, en particulier lorsqu'elles étaient amplifiées à des niveaux élevés. Ces limitations ont incité les luthiers et les fabricants à explorer de nouvelles approches pour améliorer les performances des guitares électriques. Dans les années 1950 et 1960, ces expérimentations ont conduit à l'émergence des guitares semi-creuses (semi-hollow) et des guitares pleines (solid). 

Aujourd'hui, les guitares électriques modernes sont en grande majorité associées à des corps massifs et pleins, qui sont notamment beaucoup plus facile à produire que les corps hollow ou semi-hollow. Mais les avantages de ces derniers comprennent une résonance naturelle et une tonalité chaude et riche qui ont toujours fait le bonheur des guitaristes, notamment pour certains styles de musique comme le Blues ou le Jazz. De plus, les corps creux ou semi-creux offrent une légèreté et un confort de jeu appréciés par de nombreux guitaristes. D'où le recours à une innovation importante dans la lutherie des guitares solid body : les chambres creuses.
Elles offrent de nouveaux horizons sonores et une légèreté accrue, tachant d'associer passé et modernité dans une exploration passionnante des potentiels et limites de notre instrument préféré.

1. Comprendre les chambres creuses :
Les chambres creuses sont des cavités internes intégrées au corps de la guitare électrique, généralement réalisées dans le corps de la guitare, puis recouvertes par la table. Ces cavités sont conçues pour résonner et amplifier les vibrations des cordes, ajoutant de la chaleur, de la profondeur et de la résonance au son de la guitare.

2. Impact sur le son :
L'ajout de chambres creuses peut transformer radicalement le caractère sonore d'une guitare électrique. Contrairement aux solid body, les chambres creuses permettent une résonance plus ample et une plus grande sensibilité aux nuances du jeu. Le son résultant est souvent plus riche, plus chaud et plus organique, avec une réponse dynamique accrue.

3. Avantages des guitares à chambre creuse :
Légèreté : en creusant des cavités dans le corps de la guitare, les luthiers peuvent réduire considérablement son poids, ce qui rend l'instrument plus confortable à jouer pendant de longues périodes.
Sonorité polyvalente : les guitares à chambre creuse, en tachant d'établir un compromis entre hollow et solid bodies, offrent une palette sonore étendue, convenant à une variété de styles musicaux, du jazz et du blues, au rock et à la pop.
Résonance accrue : les chambres creuses permettent à la guitare de vibrer plus librement, ce qui se traduit par une meilleure résonance et une plus grande expressivité musicale.

4. Inconvénients des guitares à chambre creuse :
Résonance incontrôlée : Les chambres creuses peuvent parfois entraîner une résonance non désirée, surtout à des volumes élevés, ce qui peut provoquer des problèmes de rétroaction indésirable lors de l'amplification de la guitare.
Moindre sustain : Bien que les chambres creuses ajoutent de la résonance au son de la guitare, elles peuvent également réduire le sustain par rapport aux guitares pleines, ce qui peut être un inconvénient pour certains styles de jeu nécessitant des notes tenues plus longtemps.
Sensibilité aux résonances indésirables : Les chambres creuses peuvent capter des bruits de fond indésirables, tels que les bruits de manipulation ou les résonances provenant d'autres instruments sur scène, altérant la clarté du son.

5. Formes des chambres creuses :
Les formes des chambres creuses dans les guitares électriques varient en fonction de plusieurs facteurs, notamment le style de la guitare, le type de bois utilisé et les préférences du fabricant ou du luthier. Chaque forme offre des caractéristiques sonores distinctes et peut influencer la tonalité et la résonance de la guitare de manière unique.

J'ai personnellement expérimenté de nombreuses formes de chambres creuses au sein de mon atelier, et je suis convaincu qu'il est possible de les choisir en fonction de la destination désirée pour la guitare concernée. Ainsi, je n'utiliserai pas la même forme de chambre si je souhaite alléger une guitare faite pour le Metal ou si je veux rendre plus vivante une guitare faite pour des styles moins "high gain". De même, je ne ferai pas les mêmes choix selon que la guitare est destinée à la scène live ou au travail en studio de musique, ou dans un salon.

Sans rentrer dans les détails des formes réalisables, qui vont d'ailleurs devoir s'adapter à la silhouette de la guitare et à sa conception interne, on peut retenir les généralités suivantes :
- Plus les chambres seront grands et "vides", plus la guitare sera légère et son caractère sonore tirera vers la rondeur, la chaleur et la résonnance. La guitare semblera plus vivante sous les doigts ; elle partira en revanche facilement en larsen avec des micros trop puissants. Son sustain sera aussi limité.
- Des successions de petites chambres laisseront plus de bois et donc plus de sustain. Les gains en légèreté et en chaleur seront moins présents mais, les risques de larsen et de manque de sustain, plus maitrisés.
- La forme des petites chambres influera sur la quantité de bois retirée et donc le sustain, mais aussi sur la possibilité de sectionner plus ou moins de fibres longues du bois. On peut ainsi limiter ou favoriser la résonnance (et donc le risque de larsen), selon le résultat recherché. 

Enfin, j'attache beaucoup d'importance à ne pas insérer de chambres dans les fibres du bois composant le manche traversant. Notamment pour celles présentant une continuité entre le cordier et les mécaniques. Ainsi, j'en préserve tout l''intérêt ;)

Tout le travail du luthier consistera donc à déterminer les formes, dimensions et emplacement des chambres en fonction des bois utilisés, des silhouettes, sons et comportements recherchés pour la guitare.

Quelques exemples issus de l'Atelier :

Conclusion :
Les guitares électriques à chambre creuse représentent une évolution importante dans la lutherie, offrant aux musiciens une alternative séduisante aux instruments traditionnels pleins. Leur son riche et expressif, combiné à leur légèreté et leur polyvalence, en font un choix attrayant pour les guitaristes à la recherche d'une sonorité distinctive et d'une expérience de jeu gratifiante. En intégrant les chambres creuses dans la conception de leurs instruments, les luthiers continuent ainsi d'explorer de nouveaux territoires sonores. Gardons cependant en tête qu'en fin de compte, le choix entre une guitare à chambre creuse et une guitare pleine dépend des préférences personnelles du musicien et de ses besoins spécifiques en matière de son et de jouabilité.

Lexique :
Big band : Un ensemble musical composé principalement de cuivres, de bois et de percussions, populaire dans les années 1920 et 1930.
Résonance : La capacité d'un instrument à produire des vibrations sonores qui amplifient et prolongent le son.
Sustain : La durée pendant laquelle une note de musique reste audible après avoir été jouée.
Rétroaction (ou larsen) : Un phénomène audio où le son amplifié parvient de nouveau au microphone, créant un cycle de répétition qui peut provoquer un bourdonnement ou un sifflement indésirable.
Corps massif : Une guitare électrique avec un corps solide, sans cavités internes.
Corps creux : Une guitare électrique avec un corps percé de cavités internes pour amplifier le son, offrant une résonance et une légèreté accrues.
Corps semi-creux : Une guitare électrique avec un corps partiellement creusé, offrant une combinaison des caractéristiques des guitares pleines et des guitares creuses.
Chambre creuse : Une cavité interne intégrée au corps d'une guitare électrique pour amplifier et résonner les vibrations des cordes.
Cordier : La pièce de la guitare où les cordes sont attachées à l'arrière du corps.
Mécaniques : Les pièces utilisées pour accorder les cordes de la guitare en ajustant leur tension.
High gain : Un terme utilisé pour décrire un son de guitare très saturé et fortement amplifié, souvent associé à des genres de musique comme le heavy metal.
Solid body : Une guitare électrique avec un corps entièrement solide, sans cavités internes.
Hollow : Une guitare électrique avec un corps entièrement creux.
Semi-hollow : Une guitare électrique avec un corps partiellement creux, généralement avec une section centrale solide et des ailes creuses, offrant une combinaison des caractéristiques des guitares pleines et des guitares creuses.